Más que una película, «El cosmonauta» es una experiencia. «Una película hecha por más de 5.000 personas», reza la publicidad de esta obra distinta, financiada gracias al micromecenazgo (o crowdfunding, que dicen los entendidos).

Primer largo de ficción de Dácil Pérez de Guzmán, una fábula infantil cargada de ingenuidad sobre una niña a la última que acaba pasando el verano con su tía en una isla teóricamente remota, sin wifi ni más adelantos que un teléfono público colgado de un poste.

Es fácil imaginar el cerebro de Luhrmann en una lavadora. Los locos años veinte adquieren en su cabeza otra dimensión, desenfrenada hasta el anacronismo.

El título contiene ecos de otros géneros, pero se trata de un drama infantil, aunque su protagonista, un niño, sea en cierto modo un personaje de "western", solitario y acorralado en la pradera de una infancia ingrata en compañía de un padre abrumado y una madre ausente.

La pareja de hecho Halle Berry y Olivier Martínez protagonizan esta aventura marinera en la que ella es algo así como la mujer que susurraba a los tiburones y él es el cámara que la filma. 

No hay grandes novedades en esta película con respecto a ese género que se podría llamar Bruce Willis contra todos, salvo que no está ni Bruce Willis ni su opinable sentido del humor.

Se trata, sin ninguna duda, de una comedia «special one», pues le pasa un poco lo que al entrenador José Mourinho, que muy pocos hablan bien de ella. 

El hecho de que sea paraguaya le da ya un plus de originalidad a esta original película, pues esta cinematografía es tan usual en nuestra cartelera como una trufa blanca en nuestra cesta de la compra. Y «7 cajas» es original por el mundo al que nos acerca, el Mercado 4 de la ciudad de Asunción, y por el modo en el que nos lo muestra, su cara más hostil, peligrosa y llena de pasadizos, vida marginal y trapicheos mediante una historia sencilla y unos personajes entre lo vulgar y lo tenebroso.

Daniel Calparsoro se hace notar desde mediados de los 90 con una serie de contundentes títulos de realismo sucio que parecen reflejar una sensibilidad extrema. 

Hay que reconocerlo. En el universo Marvel las cosas se han puesto complicadas, de forma relativa claro. Si tu penúltima película recauda mil millones de dólares y la última 1.500 hemos de reconocer que el listón está alto

Parece, por el título, una de Bond, pero no, es una de Coixet, Isabel Coixet. La película se arma con muy pocos elementos: un texto esquinado y maquinado para ir goteando el claroscuro de la historia de los personajes, dos actores que recitan (bien) ese texto y una puesta en escena escueta y fría que sitúa la "acción" en un par de escenarios sin tiempo ni espacio, tan teatral como cinematográfico.

Nos hemos escandalizado con tantos retratos del poder, sobre todo por culpa de la tele, que sorprende y a la vez entusiasma el ángulo desde el que ataca Schoeller

A comienzos de los 90 Daniele Luchetti era un valor seguro de una nueva ola venida de Italia cuya gran figura era Nanni Moretti; de hecho, su único título estrenado aquí ("La voz de su amo") lo fue por estar protagonizado por Moretti en el papel de un político corrupto.

En ese cruento camino que el ser humano suele recorrer sobre el desamor, se han ensayado mil y una soluciones o, al menos, intentos de ella: llorar durante meses, e incluso años, en la esquina de cualquier tugurio o en el rincón desolado de una lúgubre habitación; buscar un clavo para quitar otro clavo, encontrar consuelo en la manillas del reloj, embotar los sentidos en el alcohol... En realidad, casi ninguna funciona, incluida la del reloj, que es la más mentirosa porque es solo una anestesia de pésima calidad.

Hay que tener una cámara especial para filmar un monólogo interior, y la obra de Kerouac es además de monólogo y de interior, un aire, un impulso frenético y vehemente de emociones, viajes y momentos confusos al ritmo improvisado de un aire de jazz.

Escribía Oti Rodríguez Marchante el otro día que a Ricardo Darín «le das un personaje, el que sea, y se mete dentro como si fueran las pilas de una radio: a funcionar». AMatt Damon se le meten los personajes a él, incluso cuando son más grandotes, como el Francois Pienaar que ganó la Copa del Mundo de Rugby en «Invictus». En «Tierra prometida» el traje está hecho a medida, porque se lo ha cortado él mismo a medias con su rival en la película, John Krasinski, un tipo casi igual de listo. 

El cine americano con niños suele meterlos en lo que Tolkien llamaba "mundos secundarios", de pura fantasía.

Película rellena de un montón de metralla argumental que explosionaría en twitter como un comentario de Toni Cantó, pues trata (con enorme seriedad, pulso dramático y provocación) sobre una falsa acusación de pederastia a un hombre plenamente integrado social y familiarmente en una pequeña comunidad.

Insólita mezcla de ácidos y humores para contar una historia de ida y vuelta, de aspiración y expiración, con el foco puesto en el movimiento operístico de cómo llega un inmigrante y cómo se va. 

El arranque es digno de una buena butaca: un Al Pacino con el aspecto de haber pasado un sábado entero en Ikea firma su salida de presidio y recoge las tres pertenencias de siempre. Mientras eso ocurre, Christopher Walken, ese actor con cara de escarmiento, va renqueando hasta la puerta del penal a esperarlo.

Estamos en el año 2073 y sin esperanzas ya de brotes verdes: la Tierra es un erial del que han huido sus habitantes tras «ganar» la guerra a unos invasores de otro planeta, y en ella queda una especie de Wall-e y compañera para apagar la luz y el gas y cerrar la puerta, aunque tienen que enfrentarse a un reducto de «carroñeros».

No es difícil desaprobar a Terrence Malick, y además con los mismos argumentos con los que se le glorificó antes. 

Un sujeto incuba los huevos de la serpiente de un grupo neonazi en una ciudad que... pongamos que hablo de Madrid. 

La vida en la Alemania comunista no era tan gris como nos la contó Hollywood en la guerra fría (Cortina rasgada): existía el verano, los colores vivos... y una sensación de frustración que ningún cromatismo podría compensar.

La originalidad en sí misma no es más que una pose, pero cuando lleva puesto el sombrero de la inventiva, la creatividad y lo insólito, merece el esfuerzo de sostener la mirada

Era evidente que Soderbergh estaba necesitando un psiquiatra, aunque, en vez de en su cabeza, ha preferido meterlo en su película para desliar (o liar) una intriga en la que se cruzan los efectos de un medicamento para combatir la ansiedad, el crimen y un revoltijo de pasiones

El palique de Ricardo Darín es ya un género cinematográfico, y borda con palabras cualquier personaje; en esta ocasión, el de un abogado criminalista que da clases en la Universidad con su (o sea, de Darín) desparpajo, cinismo y pasado estropajoso

Más de tres décadas después de que Sam Raimi estrenara su trilogía demoniaca (y posesiva), Fede Álvarez retoma y actualiza la idea con el propio maestro como productor

Una novela de éxito protagonizada por jóvenes contemporáneos tenía que acabar en película más pronto que tarde. El mayor escollo del texto de Paolo Giordano (que también colabora en el guión y que acaba de presentar novela, en perfecta sincronía) es que su gusto por la introspección le pone el listón más alto a Saverio Costanzo, un todavía joven cineasta ya de por sí reflexivo.

Si hay algo inextinguible, eso es la imaginación del hombre a la hora de fantasear métodos para que su especie se extinga. El cine apocalíptico es una máquina de hacer planes en los que el futuro del ser humano es casi tan negro en las películas como en la realidad: virus, cegueras, infertilidad, marcianos..., cualquier cosa nos coloca como especie junto al lince ibérico.

No es del todo cierto eso de que cuando un director de cine no sabe qué hacer, se enfrasca en una versión más de la novela de Charles Dickens "Grandes esperanzas"; en ocasiones, ese paréntesis se sustancia con otro Romeo y Julieta. Pero sí es absolutamente cierto que la obra de Dickens colma por completo las posibilidades dramáticas de cualquiera con o sin paréntesis creativo.

La sacudida de simpatía y gracia que provocaba, al instante, Omar Sy en «Intocable» lo convirtió, también al instante, en una estrella del cine, y por eso se ha hecho ahora este «Incompatibles», donde la presencia de este actor, aunque sin sacudidas ni convulsiones, sigue siendo simpática y graciosa, pero ahí se queda.

En la esencia del cine de animación está encontrar la risa de los niños y el resorte que abre de par en par la puerta de su fantasía. En ocasiones, tras esa puerta también se halla el hilo que ata lo infantil a lo ejemplar del mundo adulto, a los miedos, anhelos, transformaciones y mejoras que se ambicionan a ambos lados del reposabrazos de las butacas compartidas por mayores y menores.

El cuerpo de los terrícolas suele ser un lugar goloso para que lo colonicen y habiten extraterrestres desesperados, esos ladrones de cuerpos que ya han protagonizado varias películas. «The host (La huésped)» trata ese preocupante asunto a partir de la novela de Stephenie Meyer, la autora de «Crepúsculo» que ha hecho del vampirismo un tema propio de tertulias de sobremesa. 

No se lo tomen por el lado despectivo. Es más bien al contrario. Tipos que se destrozan la cara y se machacan en el gimnasio para seguir en elcandelero. Un tipo como Stallone, con medio rostro paralizado y que ha llegado donde ha llegado solo muestra un espíritu de superación admirable, mucho más con sus limitaciones artísticas. 

El cine del turco Nuri Bilge Ceylan tiene algo de ventanal a lo nunca visto y sus películas, todas, son un órdago que se dirime en ese espacio que hay entre el ojo y el sentimiento, muy especialmente en "Lejano" o en "Los climas". Y también ahora en "Érase una vez en Anatolia", donde combina un detallado viaje por la estepas y por el paisaje monótono y nocturno con un argumento que se va disipando al tiempo que la claridad del día vierte luz sobre él. Bilge Ceylan impone un ritmo pausado pero incesante, que exige para el esclarecimiento de los hechos la misma lentitud y paciencia que la nocturnidad hasta el esclarecimiento del nuevo día, y cuenta su historia con ese sin prisas del casi tiempo real.

Lee aquí la lista de las opciones en cartelera y lo que opinan sobre ellas los críticos de ABC: «El chico del periódico», «Ana Karenina», «Spring Breakers» o «A puerta fría» son algunas de las opciones

Una escena o una interpretación pueden convertir una película más en única, y ése podría ser el caso de "El chico del periódico", una historia sucia, negra, de intriga y clima pantanosos que consigue su huequecito para siempre gracias a Nicole Kidman, a su personaje caluroso y frescales, y a una escena de sexo carcelario a varios metros de distancia tan sorprendente e impúdica que anima un poco a cruzar las piernas.

La puerta fría es un lugar, una sensación, una evidencia que le espera al ser humano tras su largo camino en lo laboral y lo vital, esa confusión o depresión que acaba mezclando los carteles de «éxito» y «exit». Un mundo tan lejano como la punta de la propia nariz y que el notable director Xavi Puebla detecta y retrata en un congreso de vendedores en un hotel sevillano.

Al menos una vez por década, alguien tiene la osadía de adaptar el clásico de León Tolstoi, de principio y final tan conocidos que a la fuerza hay que encomendarse a la riqueza y profundidad de los personajes.

Ya lo decía Bud Spencer en "Le llamaban Trinidad", que con un plato de habichuelas se llega a todos sitios, y el director casi olvidado Brian Singer pasa a ser él mismo un sospechoso habitual que se apunta a la moda de adulterar (o sea, hacer para adultos) un cuento infantil.

Sin duda ha de haber un lugar desde el que situarse ante esta película, y tal vez sea cuestión de darle vueltas y vueltas hasta encontrarlo. Desde el otro lugar, este viaje a los infiernos de cuatro universitarias de vacaciones primaverales es un barullo de "house", de "raves" inacabables, de pieles turgentes y mentes arrugadas y de una ansiedad de "ahora" que corta de raíz cualquier pensamiento a partir de los cinco segundos.

Lo de historias mínimas no es sólo una película del argentino Carlos Sorín: es una declaración de intenciones..., una judía como la de Jack que le crece una enormidad al contacto con la pantalla.

El argumento se sitúa en un córner, en la frontera rusa durante la segunda guerra mundial, pero se centra enseguida al abordar un asunto tan común y de interés tan general como el agua de los pantanos: la confianza en el vecino.

El más prestigioso o universal cineasta chino, Zhang Yimou, captura un momento de la historia de su país, la masacre japonesa en la ciudad de Nanjing, retratada recientemente en la impresionante película "Ciudad de vida y muerte", aunque vista aquí con otra mirada y otra intención.